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#MTSP N°44 Los asuntos de la belleza

 

Arte-Diseño-Tecnología*

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Los asuntos de la belleza

*Este documento es parte de Reflexiones sobre Diseño, Arte y Tecnología, publicado en el Dossier de la Revista de Artes Visuales Porto Arte (Jan-Jun 2019) dirigida por Teresinha Barachini. La Revista pertenece al Posgrado en Artes Visuales de la Universidade Federal do Rio Grande Do Sul, Brasil. Ha sido ajustado y modificado para su inclusión en #MTSP N°44.

[Cite] Di Bella, Daniela V. (2019). Arte Diseño Tecnología. 6 Los asuntos de la belleza. En: https://metaespac.hypotheses.org. Diciembre, 2019.
Resumen: Este texto presenta de manera sintética una serie de reflexiones acerca de la relación dialógica que se manifiesta en las décadas recientes entre el Diseño, el Arte y la Tecnología, entendidos como territorios de acción, frente a la relación de dependencia-independencia de tipo pendular propia del arte y el diseño. La modificación operada por la revolución digital es uno de los determinantes del posible corrimiento de los límites disciplinares, además de ser contexto y parte de la emergencia de un nuevo paradigma cultural, fértil para el desarrollo de un nuevo espacio de experimentación conceptual y prácticas intermediales.
Palabras clave: Arte. Diseño. Medias de la comunicación. Sociedad postradicional. Cambio sociocultural.
Se podría decir que con el movimiento moderno se sugiere o se instaura la equivalencia del objeto de diseño (y su belleza, surgida de las valoraciones legitimadas por la industria y el mercado) con el concepto romántico de obra de arte, siendo que el arte, para algunos, desde su incursión en la abstracción y el arte conceptual, se ha vuelto hermético y ha perdido su vínculo con la comprensión de las masas.

Durante el movimiento moderno se definía a la función y a la utilidad (sinónimo de eficacia y pragmatismo de lo bien diseñado o good design), como una de las líneas divisorias entre el arte y el diseño; y a la obra de arte, en virtud de los principios románticos, como única, original, irreproducible y fuera de los parámetros seriales de la industria y el mercado masivo. En la actualidad y como parte de los conceptos explicados por Walter Benjamín a comienzos del siglo XX (Benjamin, 1936) y reforzados por el estado actual de la cultura, la obra de arte es parte de los circuitos de reproducibilidad y del mercado de bienes culturales, por lo tanto “ha perdido su aura de objeto sagrado, ha perdido su autenticidad” (Baudrillard, 1998: 58), no es única, ni atesorable, no necesita ser una obra original, y puede recurrir al diseño y a las medias digitales para desarrollar su concepto, significado, merchandising, ser accesible, recirculable y multimediática.

Por entonces, Nicolas Bourriaud preguntaba si la razón que sostenía los malentendidos que rodeaban al arte contemporáneo, sus desafíos reales y su relación con la cultura, la sociedad y la historia no era una ausencia de un discurso teórico de arte (Bourriaud, 2008:5), asunto significativo también para el Diseño, cuando la ausencia de discurso teórico ha sido uno de los principales argumentos de los diseñadores frente a los dilemas de la disciplina. Puede decirse entonces que la pendularidad diseño-arte no es solo un tema de filialidad histó­rica, sino también de corrimiento de los supuestos que definían al arte en relación con la belleza y las reglas del gusto, asunto que debilitó la postura tradicional que asociaba la eficacia del arte con el placer estético y visual. Bajo esta visión, la valoración estética de la belleza era un bien sagrado, y de la mano del diseño se volvió terrenal, disponible y accesible, generando un proceso de estetización de las costumbres.

Por esta razón Gianni Vattimo, afirma que “es más interesante ver un audiovisual o un spot publicitario que ir a una galería de arte” (Vattimo, 1985) asunto que atestigua que la historia y la cultura asignaron al arte –como única manifestación– una evidente función estética que se fue diluyendo.

Los circuitos de producción y consumo, actualmente hiperconsumo, han visto y ven en la belleza un argumento poderoso de venta, asunto que ha igualado al arte y al diseño en sus motivos y reglas de funcionamiento de campo.
Es curioso revisar que hacia 1950 el slogan con el que se formaba a los diseñadores indus­triales repetía como una letanía “lo feo no vende” (leimotiv que perdura hasta hoy), mientras que hace alrededor de 15 años el campo del arte cuya relación con la belleza ha llevado siglos, y que desde la abstracción poco le preocupan los asuntos que otorgan valor de arte a la belleza, revisó entre sus críticos la posibili­dad de un retorno a lo bello a partir de una declaración que afirmó que “la belleza vende” (Hickey, 1993).
Estas ideas generaron revuelo y multitud de opiniones y contraopiniones en el seno del campo social, siendo que la belleza ha sido un concepto un tanto estigmatizado por teóricos, críticos y artistas, aunque sigue sin negarse ni perderse de manera definitiva, y está abierto a la demanda de artis­tas que quizás estén interesados en utilizarlo de manera tradicional o de manera política.
Referencias bibliográficas

Baudrillard, Jean. (1993). Cultura y simulacro. Barcelona: Editorial Kairós.

Baudrillard, Jean. (1998). La ilusión y desilusión estéticas. Monte Avila Editores Latinoamericana. Sala Mendoza. Venezuela.

Benjamín, Walter. (1936). La obra de arte en la época de su reproducibilidad técnica. Madrid: Editorial Taurus. Disponible en: https://www.ucm.es/data/cont/docs/241-2015-06-06-Textos%20Pardo_Benjamin_La%20obra%20de%20arte.pdf

Di Bella, D. V. (2019). Reflexiones sobre Diseño, Arte y Tecnología. Brasil: Porto Arte: Revista de Artes Visuais. Porto Alegre: PPGAV-UFRGS. Jan-Jun, 2019. V24. N°40 e-94654 e-ISSN 2179-8001. DOI: https://doi.org/10.22456/2179-8001.94654.

Hickey, Dave (2012) The Invisible Dragon: Essays on Beauty, Revised and Expanded. EEUU: University of Chicago Press.

Vattimo, G. (1986). El fin de la modernidad. Nihilismo y hermenéutica en la cultura posmoderna. Barcelona: Editorial Gedisa.

 

Daniela V. Di Bella

Daniela V. Di Bella / Arquitecta – Magister en Diseño – PhD Educación Superior (nivel tesis). www.elojosalvaje.com - Buenos Aires - Argentina

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#MTSP N°43 Arte-Diseño-Tecnología reflexiones

 

Arte-Diseño-Tecnología*

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Reflexiones

*Este documento es parte de Reflexiones sobre Diseño, Arte y Tecnología, publicado en el Dossier de la Revista de Artes Visuales Porto Arte (Jan-Jun 2019) dirigida por Teresinha Barachini. La Revista pertenece al Posgrado en Artes Visuales de la Universidade Federal do Rio Grande Do Sul, Brasil. Ha sido ajustado y modificado para su inclusión en #MTSP N°44.

[Cite] Di Bella, Daniela V. (2019). Arte Diseño Tecnología. 5 Reflexiones. En: https://metaespac.hypotheses.org. Noviembre, 2019.
Resumen: Este texto presenta de manera sintética una serie de reflexiones acerca de la relación dialógica que se manifiesta en las décadas recientes entre el Diseño, el Arte y la Tecnología, entendidos como territorios de acción, frente a la relación de dependencia-independencia de tipo pendular propia del arte y el diseño. La modificación operada por la revolución digital es uno de los determinantes del posible corrimiento de los límites disciplinares, además de ser contexto y parte de la emergencia de un nuevo paradigma cultural, fértil para el desarrollo de un nuevo espacio de experimentación conceptual y prácticas intermediales.
Palabras clave: Arte. Diseño. Medias de la comunicación. Sociedad postradicional. Cambio sociocultural.
Estos tres campos se presentan como un territorio de superpo­sición conceptual y de corrimiento de las limitantes disciplinares de tres áreas de prácticas, cada una de ellas inserta en un universo social específico como son el Arte, el Diseño y la Tecnología, que vienen generando entre sí una relación de tensión creativa y pulsión experimental (Di Bella(a), 2011: 80-83; (b) 2011: 124-127).
Esta afirmación se sostiene a partir de la noción de campo social y habi­tus de Pierre Bourdieu ya que estos conceptos están ligados a los ámbitos de producción y consumo de bienes simbólicos, así también a la noción de reproduc­ción social donde el cuerpo asume un lugar protagónico (Reyes, 2009).
Según Bourdieu cada hacer del hombre tiene un campo de acción determinado dentro de la actividad social (en este caso podríamos hablar del campo del arte, del diseño, y de la tecnología), en el que los individuos o agentes participantes de cada campo, definen las reglas de juego de ese campo específico y juegan entre ellos un juego competitivo por la adquisición de beneficios, poder y dominación. En el campo, la aplicación de las reglas de juego definirán las actividades que los agentes desar­rollen dentro de él, constituyendo un habitus, y-lo que está en juego-el interés o illusio, garantizará el funcionamiento del campo. Aquellos que mejor jueguen ese juego detentarán el habitus dominante por sobre el resto de los participantes, donde el reconocimiento de la mayoría hacia los procedimientos del sector domi­nante y los bienes adquiridos en su competencia, definirán el capital simbólico, que brindará los mecanismos de validez y legitimación de los haceres dentro del campo (Bourdieu, 1998 y 2010).
Es posible que la modificación operada por la revolución digital junto a otras de gestación histórica propia de cada campo, sea uno de los determinantes del posible corrimiento de los límites disciplinares. Las consecuencias de la irrup­ción de las medias digitales, es en gran medida, contexto y parte de la emergencia de un nuevo paradigma cultural, fértil para el desarrollo de un nuevo espacio de experimentación conceptual y prácticas intermediales (Di Bella, 2006: 35-40).
Anna Calvera hacia 2005 estudió la relación Diseño-Arte y analizó la existencia de territorios frontera en los que los diseñadores y artistas se posicio­nan lejos de las divergencias históricas para innovar y experimentar

(…) vale la pena poner de relieve que, en el uso de los nuevos medios, arte y diseño encuentran muchos puntos de unión (…) pensar el tipo de relación por la cual el diseño nunca ha podido acabar de romper un vínculo con el arte supone plantear una pregunta de carácter estético en el sentido más filosófico del término (Calvera, 2005: 13-15).

El lugar del Diseño y el desarrollo de su campo social, admitió desde su nacimiento hasta la actualidad una relación de pendularidad entre el arte y la industria, algunos lo atribuyen a cierta filiación del diseño respecto del arte, una relación de paternidad sostenida incluso desde el nombre de arte aplicado atri­buido a las prácticas. Calvera admitió la superposición del ejercicio entre el arte contemporáneo y el diseño, y estableció tres estados de situación relacionados con la variable generacional en el ejercicio profesional de diferentes grupos de diseñadores:

(a) aquellos de las décadas del 1950-60, época fundacional del diseño, obligados a desplazar la valoración artística del diseño, unirlo a la indus­tria y los procesos industriales y constituirlo en una profesión independiente;

(b) aquellos del ´70 y ´80 que pertenecen a una generación intermedia, con una visión más inclusiva hacia los haceres que guardan relación histórica con el arte como la moda, la decoración, el artesanado, entre otras; y

(c) aquellos más jóvenes, desde los ´90, que tienen una relación de cambio casi irreverente o amnésica donde el arte se ha convertido en un vehículo espontáneo de demostración visual de sus trabajos. Para esta generación el arte capitaliza los procedimientos del diseño, y el diseño se vale de los discursos del arte, los dos campos han ampliado sus concep­tos y áreas de acción, asunto que se potenció con la incorporación y avances de la tecnología digital y los medios de comunicación de los últimos 20 años (Calvera, 2005:25).

Siendo que la electrónica y la tecnología digital han cruzado en estas últi­mas décadas todos los campos del conocimiento, los recursos del soporte se vienen utilizando como modelizadores visuales, expresivos y proyectuales en disciplinas de la comunicación, el diseño y el arte, herramientas que han reemplazado en gran medida el trabajo artesanal del dibujo, la maquetización y la proyectación. Como parte de algunas de las iniciativas estéticas, muchos artistas trasladan atributos de la topología expresiva, lenguaje específico, y territorialidad del discurso conceptual del diseño, al ámbito de la obra de arte, e intencionalmente en estas traslaciones, operan descontextualizando, resignificando y vacíando de sentido, en un acto que genera arte a partir de la creación de nuevos sistemas y acciones surgidos de la transposi­ción de significantes, la ambigüedad y la vulneración. Del mismo modo se asiste a un estado del diseño, donde un objeto diseñado y bajo los requerimientos de la seria­lidad de la industria, puede en virtud de ciertas cualidades semióticas, rebasar los propios límites del diseño y su función para convertirse en un objeto de arte, asunto legitimado por las instituciones del arte, que exhiben en sus salones, objetos de diseño, posiblemente como parte del discurso que sostiene que el diseño ha venido a democratizar una cuota de belleza comprensible y ha creado junto con la industria la necesidad de la “estetización de la vida cotidiana” (Calvera, 2005: 13-25).
El símbolo relega el uso práctico y algunas de estas cosas devienen objetos de culto. Phillipe Starck, Ettore Sottsass, Javier Mariscal, Roberto Venturi y Shito Kuramata, por ejem­plo, forman parte de la elite de diseñadores, que en los últi­mos años, han penetrado con su obra en un mercado cada vez más receptivo y que adquiere sus productos más por el placer lúdico y la carga estética que por otra cosa, aceptando sin réplica el alto coste que implica su compra… (Salinas en Calvera, 2005: 114)
Referencias bibliográficas

Bourdieu, Pierre (2010) El sentido social del gusto. Elementos para una sociología de la cultura. Buenos Aires: Siglo XXI Editores, Biblioteca clásica del siglo XXI.

Bourdieu, Pierre (1998) La Distinción. Criterio y bases sociales del gusto, Taurus Ediciones, Madrid.

Calvera, Anna. (2005). Arte¿?Diseño. Nuevos capítulos de una polémica que viene de lejos. Barcelona. Gustavo Gili.

Di Bella, D. V. (2019). Reflexiones sobre Diseño, Arte y Tecnología. Brasil: Porto Arte: Revista de Artes Visuais. Porto Alegre: PPGAV-UFRGS. Jan-Jun, 2019. V24. N°40 e-94654 e-ISSN 2179-8001. DOI: https://doi.org/10.22456/2179-8001.94654.

Di Bella, D. V. (a2011). Territorios de aproximación entre diseño, tecnología y arte. En: Actas de Diseño N°10. V Encuentro Latinoamericano de Diseño «Diseño en Palermo» Primer Congreso Latinoamericano de Enseñanza del Diseño. Pp 80-83 Buenos Aires: Centro de Estudios en Diseño y Comunicación. Facultad de Diseño y Comunicación. Universidad de Palermo. Disponible en: https://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo.php?id_libro=271&id_articulo=6540

Di Bella, D. V. (b2011). Territorios de aproximación entre diseño, tecnología y arte. En: Reflexión Académica en Diseño y Comunicación NºXVI Vol 16. Pp. 124-127. Buenos Aires: Centro de Estudios en Diseño y Comunicación. Facultad de Diseño y Comunicación. Universidad de Palermo. Disponible en: https://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo.php?id_libro=270&id_articulo=6502

Di Bella, D. V. (2006). El tercer dominio. En: Cuadernos del Centro de Estudios de Diseño y Comunicación Nº20. Pp.35-40. Buenos Aires: Centro de Estudios en Diseño y Comunicación. Facultad de Diseño y Comunicación. Universidad de Palermo. Disponible en: https://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo.php?id_libro=107&id_articulo=5028

Reyes, Román (2009) Diccionario crÍtico de Ciencias Sociales: terminología científico-social. Madrid. España: Editorial Plaza y Valdés.  Noción de Habitus. Disponible en: https://webs.ucm.es/info/eurotheo/diccionario/H/habitus.htm

Daniela V. Di Bella

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#MTSP N°42 Media Art y el arte relacional

 

Arte-Diseño*

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Media Art y el arte relacional

*Este documento es parte de Reflexiones sobre Diseño, Arte y Tecnología, publicado en el Dossier de la Revista de Artes Visuales Porto Arte (Jan-Jun 2019) dirigida por Teresinha Barachini. La Revista pertenece al Posgrado en Artes Visuales de la Universidade Federal do Rio Grande Do Sul, Brasil. Ha sido ajustado y modificado para su inclusión en #MTSP N°42.

[Cite] Di Bella, Daniela V. (2019). Arte Diseño. 4 Media Art y el arte relacional. En: https://metaespac.hypotheses.org. Octubre, 2019.
Resumen: Este texto presenta de manera sintética una serie de reflexiones acerca de la relación dialógica que se manifiesta en las décadas recientes entre el Diseño, el Arte y la Tecnología, entendidos como territorios de acción, frente a la relación de dependencia-independencia de tipo pendular propia del arte y el diseño. La modificación operada por la revolución digital es uno de los determinantes del posible corrimiento de los límites disciplinares, además de ser contexto y parte de la emergencia de un nuevo paradigma cultural, fértil para el desarrollo de un nuevo espacio de experimentación conceptual y prácticas intermediales.
Palabras clave: Arte. Diseño. Medias de la comunicación. Sociedad postradicional. Cambio sociocultural.
(…) esa combinación de sensaciones que es la obra de arte (o la obra en el arte) no debe confundirse así con su soporte mate­rial (como ocurre con las ideas “minimalistas” del medio) ni con las técnicas (como ocurre con la idea informática del medio). Es una cosa peculiar que precede a los soportes físicos y medios tecnológicos sin los cuales, empero, no existiría, y que puede incluso sobrevivirlos (…) (Deleuze en Rachmann, 2004: 130)
Al respecto Bourriaud sostiene que

la actividad artística constituye un juego donde las formas, las modalidades y las funciones evolucionan según las épo­cas y los contextos sociales, y no tiene una esencia inmutable (Bourriaud, 2008)

por lo tanto las características de estas obras ya no remiten a las formas originales o a los movimientos clasificados por el arte, sino más bien, a nuevas manifestaciones del arte, vinculadas con un arte relacional, que toma como base las interacciones humanas, su contexto y la experimentación social (Bourriaud, 2008: 9-13) o que interviene sobre elementos ya procesados o formas ya producidas, es decir se inscribe en una red de signos y significaciones ya existentes, apoderándose de los códigos de la cultura, gestándolas en un proceso de posproducción (Bourriaud, 2009: 7-17).
Continuando con la visión antimedia ya explicada por Daniels, es rela­cional porque considera un acto revolucionario generar acciones de arte que se instalen dentro de la experimentación social, creando universos posibles, desar­rollando un proyecto político que problematiza la realidad, celebrando lo que se llamaría la utopía de la proximidad por fuera de la presente exacerbación de la sociedad del espectáculo (Debord, 2012; Bourriaud, 2008: 8-17). Es post­producida, porque los escenarios se vuelven formas (Bourriaud, 2009) para ser reprogramadas, utilizadas como repertorio, habitadas en su historicidad y su narrativa, recodificadas, denunciadas y/o vaciadas.
En definitiva, se trata de atravesar la acción de los actuales medios de comunicación y todo aquello que de ellos deriven como determinantes del estilo de vida contemporáneo, como la publicidad, las modas, las tendencias, los esti­los, el diseño, el mundo de las marcas, el lenguaje social, los estereotipos socia­les, las reglas del gusto, la sociedad de consumo, el ideal de belleza, la construc­ción social del cuerpo, entre muchos otros posibles apartados.
Referencias bibliográficas

Bourriaud, Nicolas (2008) Estética relacional. Buenos Aires: Adriana Hidalgo Editora.

Bourriaud, Nicolás (2009) Postproducción. La cultura como escenario: modos en que el arte reprograma el mundo contemporáneo.  Buenos Aires: Adriana Hidalgo Editora.

Debord, Guy. (2012). La sociedad del espectáculo. Buenos Aires: La marca Editora. Biblioteca de la mirada.

Di Bella, D. V. (2019). Reflexiones sobre Diseño, Arte y Tecnología. Brasil: Porto Arte: Revista de Artes Visuais. Porto Alegre: PPGAV-UFRGS. Jan-Jun, 2019. V24. N°40 e-94654 e-ISSN 2179-8001. DOI: https://doi.org/10.22456/2179-8001.94654.

Rajchman, John. (2004). Deleuze un mapa. Buenos Aires. Ediciones Nueva Visión.

Daniela V. Di Bella

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#MTSP N°41 Media Art, tiempo y lenguaje

 

Arte-Diseño*

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Media Art, tiempo y lenguaje

*Este documento es parte de Reflexiones sobre Diseño, Arte y Tecnología, publicado en el Dossier de la Revista de Artes Visuales Porto Arte (Jan-Jun 2019) dirigida por Teresinha Barachini. La Revista pertenece al Posgrado en Artes Visuales de la Universidade Federal do Rio Grande Do Sul, Brasil. Ha sido ajustado y modificado para su inclusión en #MTSP N°41.

[Cite] Di Bella, Daniela V. (2019). Arte Diseño. 4 Media Art, tiempo y lenguaje. En: https://metaespac.hypotheses.org. Septiembre, 2019.
Resumen: Este texto presenta de manera sintética una serie de reflexiones acerca de la relación dialógica que se manifiesta en las décadas recientes entre el Diseño, el Arte y la Tecnología, entendidos como territorios de acción, frente a la relación de dependencia-independencia de tipo pendular propia del arte y el diseño. La modificación operada por la revolución digital es uno de los determinantes del posible corrimiento de los límites disciplinares, además de ser contexto y parte de la emergencia de un nuevo paradigma cultural, fértil para el desarrollo de un nuevo espacio de experimentación conceptual y prácticas intermediales.
Palabras clave: Arte. Diseño. Medias de la comunicación. Sociedad postradicional. Cambio sociocultural.
Jon Krasner enfatiza la dimensión protagónica que ha tenido la variable tiempo, como fuente de experimentación, impacto y expresión artística de las realizaciones desde fines de 1970, debido a la relación que se estableció entre la evolución del diseño gráfico y la tecnología digital.
Puntualiza que esta pasó de ser una disciplina bidimensional a otra que incorpora los media de la comunicación en todas sus vertientes: película, animación, sonido, interactividad y diseño ambiental, dentro de un contexto que fusiona TV, internet y entornos inmersivos.
Destaca que los media digitales han efectuado un abrupto salto cualitativo, dejando en default a la “era de la información” para pasar a la “era de la comunicación”, capi­talizada por las exigencias de los mercados y la industria del entretenimiento. Los aspectos de la imagen en movimiento tienen hoy en el Motion Graphics o Motion Design la fusión de la exploración de todos los campos de lo audiovisual, diseño, comunicación, interacción, significación y arte (Krasner, 2008: 1-27).
Con la lógica que instala Duchamp, todas las actividades relacionadas con el arte y la expresividad, de una u otra forma quedan teñidas por su gesto antiarte dando paso al experimento como materia inductora y creativa. En sínte­sis con los medios digitales se abre la posibilidad interactivo gestual y el trata­miento de la obra como una categoría de la información, que puede entenderse como un dispositivo dispuesto a generar y/o desplegar una instancia del arte, una instalación, intervención o simulacro lúdico, mediático e interactivo, situación que ha cambiado el concepto de la obra y su registro fenomenológico, la expande al universo de la transmisión y circulación masiva, y la extiende hacia el campo de la experimentación y la multiplicidad (Di Bella, 2008: 40-45).
Esta articulación de varios sistemas de producción que exploran nuevas relaciones del espacio/ tiempo ficcional, narrativo y/o abstracto generan una experiencia que amplifica el rango perceptual hacia la sensorialidad, en una investigación de los límites de la imagen (Di Bella, 2018:106).
Si se sigue abordando la definición del arte a partir de la representa­ción, podríamos decir que en las obras de arte contemporáneo, aún persisten las formas derivadas de la abstracción, el arte conceptual, el minimalismo, el dadaísmo y el grupo fluxus. Algunas de las características generales de estas obras, son la caída en la arbitrariedad, excesiva intelectualización del arte, los artistas y las obras, superposición de lenguajes, combinación de medios expre­sivos y de producción, pensamiento espacial, perceptual y sensorial, valoración e incorporación del cuerpo y la corporalidad, desmontaje de la contemplación de la obra, indistinción de las fronteras entre el espectador y el acontecimiento, elabo­ración colectiva de sentido, manejo del tiempo y el espacio, cuestionamiento del marco institucional de validación y debilitamiento de la noción de autoría, obras colectivas, intermedialidad, arte ligado al evento y a la interacción, entre otras (Di Bella, 2008: 40).
Referencias bibliográficas

Di Bella, D. V. (2019). Reflexiones sobre Diseño, Arte y Tecnología. Brasil: Porto Arte: Revista de Artes Visuais. Porto Alegre: PPGAV-UFRGS. Jan-Jun, 2019. V24. N°40 e-94654 e-ISSN 2179-8001. DOI: https://doi.org/10.22456/2179-8001.94654.

Di Bella, D, V. (2018) Ex Obra, la rematerialización de la imagen en movimiento. En: Cuadernos del Centro de Estudios de Diseño y Comunicación Nº 66: Componentes del diseño audiovisual experimental. Pp. 95-111. Buenos Aires: Centro de Estudios en Diseño y Comunicación. Facultad de Diseño y Comunicación. Universidad de Palermo. Disponible en: https://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo.php?id_libro=661&id_articulo=13870

Di Bella, D. V. (2008). Arte Tecnomedial: Programa curricular. Cuadernos del Centro de Estudios de Diseño y Comunicación, 25, Pp. 40-75. Buenos Aires: Centro de Estudios en Diseño y Comunicación. Facultad de Diseño y Comunicación. Universidad de Palermo. Disponible en: https://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo.php?id_libro=112&id_articulo=5080

Krasner, J. (2008). Motion Graphic Design. Applied History and Aesthetics. EEUU: Elsevier.

Daniela V. Di Bella

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#MTSP N°40 Media Art y experimentación

 

Arte-Diseño*

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Media Art y experimentación

*Este documento es parte de Reflexiones sobre Diseño, Arte y Tecnología, publicado en el Dossier de la Revista de Artes Visuales Porto Arte (Jan-Jun 2019) dirigida por Teresinha Barachini. La Revista pertenece al Posgrado en Artes Visuales de la Universidade Federal do Rio Grande Do Sul, Brasil. Ha sido ajustado y modificado para su inclusión en #MTSP N°40.

[Cite] Di Bella, Daniela V. (2019). Arte Diseño. 3 Media Art y experimentación. En: https://metaespac.hypotheses.org. Agosto, 2019.
Resumen: Este texto presenta de manera sintética una serie de reflexiones acerca de la relación dialógica que se manifiesta en las décadas recientes entre el Diseño, el Arte y la Tecnología, entendidos como territorios de acción, frente a la relación de dependencia-independencia de tipo pendular propia del arte y el diseño. La modificación operada por la revolución digital es uno de los determinantes del posible corrimiento de los límites disciplinares, además de ser contexto y parte de la emergencia de un nuevo paradigma cultural, fértil para el desarrollo de un nuevo espacio de experimentación conceptual y prácticas intermediales.
Palabras clave: Arte. Diseño. Medias de la comunicación. Sociedad postradicional. Cambio sociocultural.
Las medias de la comunicación en sus orígenes analógicas y actual­mente digitales-electrónicas han sido utilizadas como soporte y material expre­sivo y de ejecución del arte, en lo que conocemos como Media Art, u obras de arte y media.
El Media Art es considerado un término genérico para abarcar o descri­bir al arte que está relacionado, o creado con tecnología inventada o disponible desde mediados del SXX, y estaría incluyendo al netart, el arte digital, el audioart, el videoarte, la instalación, el arte generativo, el arte interactivo, el arte con robots, el hacktivismo, la performance electrónica, y todo tipo de manifestación expresiva en la que confluyan las medias con conceptos de arte.
En el Media Art de las épocas fundacionales (futurismo, constructi­vismo, dadaísmo, etc.) el uso de la tecnología disponible: radio, cine, fotografía y elementos derivados de las máquinas: ruidos y movimiento, fueron utilizados de modo experimental y con la idea de que en sí mismas eran formas potenciales de arte.
Hacia la segunda mitad del siglo XX, y más precisamente luego de 1960 con el arte conceptual, el minimalismo y el expresionismo abstracto, la posición conceptual de los artistas cambia de modo radical hacia una postura antimedia (que persiste hasta hoy en muchos artistas de media art) debido a una actitud de desencanto o desazón frente al poder masivo que habían adquirido el uso de los media según los fines y objetivos del sistema socio-político. En esta etapa las nuevas media incorporadas son el video, las proyecciones y la TV junto con la experimentación con los nuevos materiales industriales (Daniels, 2007 en Di Bella, 2008: 40-75).
La estética experimental y de vanguardia artística es y ha sido uno de los aspectos más exigentes y estimulantes de los estudios históricos y actuales acerca de la imagen en movimiento y medios de comunicación.
Las razones se vinculan posiblemente con los usos expresivos que la contemporaneidad viene plasmando en sus realizaciones que desafían y desarticulan las nociones de la subjetividad, la expectación y el uso del soporte o media, lo que deriva en un tipo de creación amplificada, que comparte miradas y cruces con otras disciplinas, como el arte, el diseño, la filosofía, la cultura, la sociología y la psicología entre otras.
Referencias bibliográficas

Daniels, Dieter. (2007). Forerunners of media art in the first half of the twentieth century. Overview of Media Art. ZKM. Alemania. Disponible en: http://www.medienkunstnetz.de/themes/overview_of_media_art/forerunners

Di Bella, D. V. (2019). Reflexiones sobre Diseño, Arte y Tecnología. Brasil: Porto Arte: Revista de Artes Visuais. Porto Alegre: PPGAV-UFRGS. Jan-Jun, 2019. V24. N°40 e-94654 e-ISSN 2179-8001. DOI: https://doi.org/10.22456/2179-8001.94654.

Daniela V. Di Bella

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#MTSP N°39 Hacia una nueva subjetividad

 

Arte-Diseño y Sostenibilidad*

2

Hacia una nueva subjetividad

*Este documento es parte de Reflexiones sobre Diseño, Arte y Tecnología, publicado en el Dossier de la Revista de Artes Visuales Porto Arte (Jan-Jun 2019) dirigida por Teresinha Barachini. La Revista pertenece al Posgrado en Artes Visuales de la Universidade Federal do Rio Grande Do Sul, Brasil. Ha sido ajustado y modificado para su inclusión en #MTSP N°39.

[Cite] Di Bella, Daniela V. (2019). Arte Diseño y Sostenibilidad. 2 Hacia una nueva subjetividad. En: https://metaespac.hypotheses.org. Julio, 2019.
Resumen: Este texto presenta de manera sintética una serie de reflexiones acerca de la relación dialógica que se manifiesta en las décadas recientes entre el Diseño, el Arte y la Tecnología, entendidos como territorios de acción, frente a la relación de dependencia-independencia de tipo pendular propia del arte y el diseño. La modificación operada por la revolución digital es uno de los determinantes del posible corrimiento de los límites disciplinares, además de ser contexto y parte de la emergencia de un nuevo paradigma cultural, fértil para el desarrollo de un nuevo espacio de experimentación conceptual y prácticas intermediales.
Palabras clave: Arte. Diseño. Medias de la comunicación. Sociedad postradicional. Cambio sociocultural.
Según Michel Maffesoli, la cultura contemporánea está signada por la presencia de Dionisio (Baco), el más oriental de los dioses griegos, que signa el retorno a la naturaleza inicial o de origen (la madre tierra) representativa de atributos de terrenalidad, sensorialidad, percepción y tribalidad, reflejo de la diso­lución de la identidad y su fusión en la tribu, la construcción de una identidad colectiva que se pierde dentro del cuerpo social que denomina viscosidad social. Este estado se traduce en cierto tipo de éxtasis social que se identifica por un excesivo culto al cuerpo, actitud hedonista, atención a la teatralidad obsesiva de los hechos de la vida, importancia suprema de la moda, adjudicación de un valor predominante a la juventud, mixturización de los modos de creación y producción de la imagen, costumbres y tendencias, un período espiritual de relativización de los supuestos (Maffesoli, 2001: 165-192).

Bauman la define como sociedad líquida, en la que dentro de su volubilidad e incertidumbre, existen dos variables que seguirán su curso de progresión inevitable, relacionadas con el agotamiento de los recursos naturales y el estado de hiperconexión global (Bauman, 2003).

El agotamiento y sensación del posible colapso del planeta se vincularía con

(…) que en los últimos cincuenta años el estado de la Tierra se haya deteriorado con una rapidez y una espectacularidad jamás conocidas anteriormente (El Correo de la Unesco, Abril­-Junio 2018: 3)

situación que algunos definen por Antropoceno o etapa que relaciona este bru­tal deterioro con las actividades desarrolladas por el hombre de los últimos 200 años.

La hiperconexión conduciría a un estado de relaciones hipermediatizadas en todas las capas de la sociedad, que para interactuar y existir, obligan a ingresar dentro de la red, asunto que pone en crisis el concepto de identidad individual y colectiva. En este contexto, los dispositivos y pantallas han hecho surgir de modo definitivo a la “imagen” como la protagonista ineludible de la representación de la vida, pasando de reproducción y difusión a producción, simulacro e hiperrealidad (Baudrillard, 1993), superando ampliamente la connotación negativa de la lógica de las apariencias (Calvera, 2005:13-25).

En este contexto la figura del cuerpo viene asumiendo un espacio protagónico y de reconceptualización que reescribe una iconografía y estética particular en torno a las ideas de la imagen-mercancía (Baudrillard, 1993), que impacta sobre las distintas variables de lo social, fic­cional, performático y fashionable, que se traducen dentro de la construcción de la identidad y la cultura.
En tanto Manzini y Jegou definen que con las ideas de un sistema limi­tado de recursos naturales y la amenaza permanente de colapso medioambiental, se ha puesto en crisis el modo de organización de la sociedad actual. La economía y el bienestar se miden en términos de crecimiento material donde nada puede crecer para siempre, por lo tanto proponen la necesidad de migrar hacia una sociedad regenerativa, capaz de desarrollarse y que al mismo tiempo reduzca y restaure la calidad del entorno, donde las empresas y las organizaciones se conviertan en agentes de sostenibilidad ecológica, social y económica. De estas afirmaciones deviene la necesidad de un cambio entendido como un proceso de aprendizaje social o transición hacia la sostenibilidad que debería iniciarse ya mismo, donde habría que repensar y reorientar nuestros estilos de vida, hacia nuevas ideas de bienestar y formas de vida que modifiquen los contextos de las grandes urbes, y donde converjan las ideas económicas con las ecológicas (Manzini y Jegou, 2003: 29-30 en Di Bella, 2019: 76-77).
En esta instancia los campos del arte y el diseño son llamados a reflexionar acerca de sus prácticas y revisar sus objetivos, para alinearse con una posición ecosófica, es decir participar de la in­vitación abierta a todas las prácticas culturales para intervenir en una articulación ético-estético-política para la construcción de una nueva subjetividad (Guattari, 2000: 1-79) cuya mirada y objetivos busquen reconectar los tres dominios –men­tal-social-ambiental- de la modificación del mundo.
Referencias bibliográficas

Baudrillard, Jean. (1993). Cultura y simulacro. Barcelona: Editorial Kairós.

Calvera, Anna. (2005). Arte¿?Diseño. Nuevos capítulos de una polémica que viene de lejos. Barcelona. Gustavo Gili.

Bauman, Zygmunt (2003) Modernidad líquida. México: Fondo de Cultura Económica.

Di Bella, D. V. (2019). Reflexiones sobre Diseño, Arte y Tecnología. Brasil: Porto Arte: Revista de Artes Visuais. Porto Alegre: PPGAV-UFRGS. Jan-Jun, 2019. V24. N°40 e-94654 e-ISSN 2179-8001. DOI: https://doi.org/10.22456/2179-8001.94654.

Guattari, Félix. (1993) Las tres ecologías. Valencia, España: Editorial PreTextos.

Manzini, E. & Jegou, F. (2003). Sustainable Every Day. Scenarios of Urban Life. Italia: Edizioni Ambiente, Milan. Fondazione La Triennale di Milano.

Mafessoli, Michele. (2001) El instante eterno. El retorno de lo trágico en las sociedades postmodernas. Buenos Aires: Paidos Editora.

Daniela V. Di Bella

Daniela V. Di Bella / Arquitecta – Magister en Diseño – PhD Educación Superior (nivel tesis). www.elojosalvaje.com - Buenos Aires - Argentina

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#MTSP N°38 Arte-Diseño y una tecnología disruptiva

Arte-Diseño

y un nuevo tipo de tecnología*

1

Una tecnología disruptiva

*Este documento es parte de Reflexiones sobre Diseño, Arte y Tecnología, publicado en el Dossier de la Revista de Artes Visuales Porto Arte (Jan-Jun 2019) dirigida por Teresinha Barachini. La Revista pertenece al Posgrado en Artes Visuales de la Universidade Federal do Rio Grande Do Sul, Brasil. Ha sido ajustado y modificado para su inclusión en #MTSP N°38.

[Cite] Di Bella, Daniela V. (2019). Arte Diseño y un nuevo tipo de tecnología: 1. Una tecnología disruptiva. En: https://metaespac.hypotheses.org. Junio, 2019.
Resumen: Este texto presenta de manera sintética una serie de reflexiones acerca de la relación dialógica que se manifiesta en las décadas recientes entre el Diseño, el Arte y la Tecnología, entendidos como territorios de acción, frente a la relación de dependencia-independencia de tipo pendular propia del arte y el diseño. La modificación operada por la revolución digital es uno de los determinantes del posible corrimiento de los límites disciplinares, además de ser contexto y parte de la emergencia de un nuevo paradigma cultural, fértil para el desarrollo de un nuevo espacio de experimentación conceptual y prácticas intermediales.
Palabras clave: Arte. Diseño. Medias de la comunicación. Sociedad postradicional. Cambio sociocultural.
En el plano de la tecnología desde la incursión masiva de la tecnología digital, la redes e Internet, sucedida alrededor de las décadas del ´80 y ´90, se viene oficiando un cambio de paradigma en la definición del hombre en sociedad. La tecnología digital, y los objetos o dispositivos que de ella derivan (terminales, computadoras, celulares, redes, sistemas, servicios, Internet, etc.) son parte de los “instrumentos culturales” que vienen cambiando el modo de vivir en sociedad, interactuar entre pares, construir el conocimiento, acceder a la información, relacionarse, aprender y crear.

Atributos como la instantaneidad, la velocidad, la disponibilidad del dispositivo digital y sus servicios han alterado la noción aprendida de tiempo y espacio, de frontera y ubicuidad, donde los indivi­duos se nuclean en comunidades online vinculadas a un gran cuerpo virtual o electrónico que delinea la subcultura de los incluidos (Di Bella: 2008: 42-46).

Occidente posee una larga historia de estudio de la percepción susten­tada en la teoría óptica de la visión. Fueron determinantes la tradición médica (Hipócrates y Galeno. Estudios anatómicos y fisiológicos), la física (Platón y Aristóteles / ciencias naturales, epistemología y psicología) y la matemática (Euclides y Ptolomeo / geometría que deriva la construcción perspectívica del espacio en el renacimiento).

Hacia el renacimiento y siguiendo el pensamiento aristotélico, se otorgó a la visión material una relación con la construcción del conocimiento, ya que la vista permitía el acceso directo a las cosas que nos rodean y con las imágenes del pensamiento (Benéitez Prudencio, 2011:139-152).

Desde la perspectiva abierta por los media digitales, se ha investi­gado y se investiga de manera central la vinculación entre las percepciones y la  forma de recepción, sobre todo en las acciones en las que interviene la realidad virtual, asunto que otorga una preeminencia al uso del cuerpo, que desplaza las concepciones visuales tradicionales, y que integra la percepción visual con lo táctil, la sinestesia y las dimensiones propioceptivas en la comprensión media­tizada de los objetos (Di Bella, 2017:137-152).
Muchas de estas investi­gaciones acerca del acoplamiento de los sentidos relacionadas con lo digital, están vinculadas al estudio del cine y la imagen en movimiento, la influencia de la psicología de la percepción, la teoría literaria, la cultura y la crítica de arte de media (Fischer, 1997).

De este modo el Homo Communicans (Sfez, 2001:36) emerge en medio de los conceptos

(a) de interface (GUI o interface gráfica del usua­rio) (Rössler en Weibel, 2005:218 y ss)

(b) de cuerpo apendicularizado integrado a un cuerpo mayor, cibernético o electrónico cuya naturaleza no le pertenece (Toyo Ito, 2007 en Di Bella, 2008: 43)

(c) de ampliación percep­tual y sensorial cuya imagen ya no es bidimensional sino inmersiva, háptica y compleja (Bruno, 2002 en Di Bella, 2018:108-109)

(d) de sistema endo­físico donde existe indistinción de los límites entre observador y suceso, y de las relaciones internas entre espacio, espectadores y relato (Weibel, 2005:220),

entre otras que superan con su instantaneidad siglos del imperio de la visión (Benéitez Prudencio, 2011 en Di Bella, 2018: 107).

Del mismo modo como parte del desarrollo de la teoría de la informa­ción y de sistemas que se une a la evolución de las ciencias, cada vez, resulta más necesario acceder a conocimientos específicos. De acuerdo al concepto organizacional de la red de internet en nodos y líneas (que unen los nodos en cadenas de sentido), se accede a un conocimiento compartimentado o hecho de fragmentos, estructurado de modo arborescente que según Edgar Morin sería parte de un estado existencial complejo, que deviene en “pensamiento complejo”.
Este tipo de pensamiento necesita de la integración de conoci­mientos y de la construcción imperiosa de la relación de las partes con el todo para poder acceder al conocimiento global, para eso es necesario recurrir a la interdisciplina, la transdisciplina y la colaboración interpersonal para obtener distintas miradas sobre un mismo asunto, y así poder resolver
(…) la tensión permanente entre la aspiración a un saber no parcelado, no dividido, no reduccionista, y el reconocimiento de lo inacabado e incompleto de todo conocimiento (…) (Morin, 2010)
Referencias bibliográficas

Benéitez Prudencio, JJ. (2011). Teorías de la percepción visual y aristotelismo entre los siglos XV y XVII: una aproximación. Albacete: Facultad de Educación. En Ensayos Nº26. Disponible en: http://www.uclm.es/ab/educacion/ensayos.

Di Bella, D. V. (2019). Reflexiones sobre Diseño, Arte y Tecnología. Brasil: Porto Arte: Revista de Artes Visuais. Porto Alegre: PPGAV-UFRGS. Jan-Jun, 2019. V24. N°40 e-94654 e-ISSN 2179-8001. DOI: https://doi.org/10.22456/2179-8001.94654.

Di Bella, D. V. (2018) Ex Obra, la rematerialización de la imagen en movimiento. En: Cuadernos del Centro de Estudios de Diseño y Comunicación Nº 66: Componentes del diseño audiovisual experimental. Pp. 95-111. Buenos Aires: Centro de Estudios en Diseño y Comunicación. Facultad de Diseño y Comunicación. Universidad de Palermo. Disponible en: https://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo.php?id_libro=661&id_articulo=13870

Di Bella, D. V. (2017) El cuerpo como territorio. En: Cuadernos del Centro de Estudios de Diseño y Comunicación Nº 64: Los procesos emergentes en la enseñanza y la práctica del diseño. Pp. 137-152.  Buenos Aires: Centro de Estudios en Diseño y Comunicación. Facultad de Diseño y Comunicación. Universidad de Palermo. Disponible en: https://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo.php?id_libro=627&id_articulo=13074

Di Bella, D. V. (2008). Arte Tecnomedial: Programa curricular. Cuadernos del Centro de Estudios de Diseño y Comunicación, 25, Pp. 40-75. Buenos Aires: Centro de Estudios en Diseño y Comunicación. Facultad de Diseño y Comunicación. Universidad de Palermo. Disponible en: https://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo.php?id_libro=112&id_articulo=5080

Morin, Edgar (2010) Introducción al pensamiento complejo. España: Editorial Gedisa.

Sfez, Lucien. (2001) L’homme paresseux. En: Le Monde Diplomatique. Abril 2001: Pp.36. Disponible en: https://www.monde-diplomatique.fr/2001/04/SFEZ/1813

Toyo, Ito. (2007). Image of architecture in electronic age. Entrevista realizada al arquitecto Toyo Ito, por Designboom. Disponible en: http://archtech.arch.ntua.gr/inman01/toyo%20ito.htm

Weibel, Peter. (2005). Beyond Art: A Third Culture: A Comparative Study in Cultures, Art and Science in 20th Century Austria and Hungary. Viena / Nueva York: Springer Science & Business Media.

Daniela V. Di Bella

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#MTSP N°19 Imaginarios futuros

Diseño en Cambio*

3

Imaginarios futuros

*Este documento es parte del segundo Informe de Impacto de la Línea de Investigación: Diseño en Perspectiva: Escenarios del Diseño, que MgArq. Daniela V. Di Bella (por UP) dirige entre la Facultad de Diseño y Comunicación Universidad de Palermo y la School of Design at Carnegie Mellon, junto a Terry Irwin (por CMU). Ha sido ajustado y modificado para su inclusión en #MTSP N°19.

(*) MG. Arq. Daniela V. Di Bella. Directora de la Línea de Investigación Nº4 “Diseño en Perspectiva” entre Universidad de Palermo y School of Design at Carnegie Mellon, USA.

[Cite] Di Bella, Daniela V. (2017-2018). Imaginarios futuros. En: Diseño en Cambio: Parte 3. En: https://metaespac.hypotheses.org/783. Noviembre, 2017.
Resumen: Orientar el futuro, diseñar el futuro, construir los escenarios del futuro, y no exactamente para hablar precisamente del futuro, sino de comprender el presente, para planificar los pasos de la gestión más conveniente hacia estas visiones sostenibles, es un aspecto ligado al Diseño para la Transición.
Palabras clave: escenarios del diseño – antropoceno – sostenibilidad – investigación en diseño – diseño para la transición – mirada sistémica – tríada Sociedad/Ambiente/Economía
Según expresan Manzini y Jegou, el futuro es impredecible y abierto, lo único claro sobre el futuro es que puede suponer una profunda ruptura con las formas del hacer y del existir a las que estamos acostumbrados. Definen que lo que llamamos futuro dependerá de manera muy importante del comportamiento y acciones que desarrollen los distintos actores, asunto que hace pensar que hay premisas que están en el presente que permitirían crear imágenes sobre lo que podría ser el futuro, es decir que lo que suceda se basará en gran medida sobre lo que sucede hoy. Por eso invitan a mirar el futuro –estudiando detenidamente la complejidad del presente– el que nos envía una serie de señales en conflicto, para reconocer aquellas cuya potencialidad arroje mejores posibilidades, en este caso socialmente sostenibles utilizando herramientas de Diseño, con el fin de “orientar el futuro” (Manzini y Jegou, 2003: 16-17).
Orientar el futuro, diseñar el futuro, construir los escenarios del futuro, y no exactamente para hablar precisamente del futuro, sino de comprender el presente, para planificar los pasos de la gestión más conveniente hacia estas visiones sostenibles, es un aspecto ligado al Diseño para la Transición. La creación de estas visiones de y para las transiciones resulta ser la piedra fundamental del enfoque, siendo que estas exigen nuevas formas de diseñar y de gestión del diseño, que se basan en una comprensión profunda de cómo diseñar para el cambio y la transición dentro de sistemas complejos; cuyos conocimientos y nuevas habilidades deben integrarse y provenir de otras áreas como la ciencia, la filosofía, la psicología, las ciencias sociales, la antropología y las humanidades y, por lo tanto, alterarán la base aprendida y ejercida del diseño (Irwin, 2011; Irwin et al, 2015).
Para la gestación de estas visiones de futuro no alcanza con usar solo la imaginación sino que se requiere además de datos que provengan de la realidad, que sean concretos, y que permitan analizar el presente (Maas, 2003 en Thackara, 2005: 80-83). El diseño especulativo requiere un entrenamiento de generación de “visiones anticipatorias” de esos nuevos escenarios sostenibles, que en otros términos podrían ser entendidos como “lentes” potencialmente útiles para el desarrollo de las visiones de futuros sostenibles (Lockton y Candy, 2018), y estas podrían ejercerse a partir de una serie de herramientas que permitirían evaluar y criticar los actuales estilos de vida e intervenciones del diseño contrastándolos con una circunstancia de futuro deseada (Irwin et al, 2015: 8).
Según explica Carla Boserman, a partir del trabajo de Anthony Dunne y Fiona Raby el diseño especulativo se afianzó como un método de investigación del ámbito del diseño en las aulas londinenses de los 90, como una reacción a la sociedad productivista. El diseño debía servir para algo más que para resolver problemas, debía ser una herramienta para especular y plantear mundos posibles a partir del ejercicio de una mirada crítica sobre los objetos de diseño, asunto que podía derivar en investigación y creación de conocimiento analizando la práctica (Boserman, 2019: 120-122).
Al diseño especulativo luego se le agregó la variable ficcional, o Diseño Ficción, en el que destaca el papel preponderante que pueden jugar las narrativas audiovisuales en este ejercicio anticipatorio, donde la denominación Design Fiction se atribuye al escritor de ciencia ficción Bruce Sterling (Sterling, 2005). La metodología derivada de estas aproximaciones es retomada por el Diseño para la Transición desde una mirada contemporánea y diversa, que depone los imaginarios sesgados y asépticos de las décadas del 80 y 90 atribuidos originalmente a los resultados de estas técnicas (Tonkinwise, 2015, 2016; Escobar, 2017).
A partir de estas aproximaciones, las generación de visiones y trabajo con imaginarios, recobraron un espacio protagónico a partir del concepto inicialmente desarrollado por Gideon Kossoff que comenzó a pensar e investigar en la posibilidad de orientar las transiciones sociales, asunto que inaugura el “Diseño para las transiciones” (Kossoff, 2011). Esta renovada manera de visionar, según explica Terry Irwin, incorpora también un vínculo con los movimientos de activismo social, cívico, ambientalista, y ecologista, entre otros, cuyas primeras iniciativas se gestaron con y desde el quiebre del estado de bienestar en las décadas del 50 al 70 en los países centrales, y que junto con los estudios prospectivos, el estudio de conflicto de las partes interesadas (stakeholders), y la teoría del cambio social, están permitiendo construir una base de conocimiento para la comprensión de los problemas perversos (wicked problems), el proceso de visualización de futuros a largo plazo y origen de un área emergente de estudio denominado “estudios sobre la transición” (Irwin T, 2018: 13-18, y 2021).
De acuerdo a Terry Irwin el Diseño para la Transición aspira a recurrir a una serie de técnicas de análisis y visualización que permitirían a las partes interesadas (stakeholders) a co-crear visiones convincentes de futuros a largo plazo basadas en la definición de nuevos estilos de vida. Estos nuevos estilos de vida apuntarían a definir que el problema se haya resuelto (abordando los temores y preocupaciones de gran parte de las partes interesadas y revisando que con ellos se vean representados sus deseos de futuro). De este modo estas visiones impulsarían a las comunidades hacia el futuro co-imaginado y serían como una brújula que guía el diseño de las intervenciones sobre los sistemas analizados en el momento presente.
Referencias bibliográficas

Boserman, C. (2019). Rescatando los objetos epistémicos del diseño especulativo. Diseña, (14), 118-137. Doi: 10.7764/disena.14.118-137.

Di Bella, D. V. (2018-2020). Informe de Impacto de la Experiencia Diseño en Perspectiva. Buenos Aires: Centro de Estudios en Diseño y Comunicación, Cuaderno 80, Pp. 173-239. Facultad de Diseño y Comunicación, Universidad de Palermo.

 Di Bella, D. V. (2019-2020). Visionarios del Diseño. Visiones del Diseño, Diseñadores Eco-Sociales. 3º Proyecto de la Línea de Investigación nº4 Diseño en Perspectiva (CMU-UP). Buenos Aires: Centro de Estudios en Diseño y Comunicación, Cuaderno 87, Pp. 55-104. Facultad de Diseño y Comunicación, Universidad de Palermo.

Irwin, T. (2021). The Emerging Transition Design Approach. Buenos Aires: Centro de Estudios en Diseño y Comunicación. Facultad de Diseño y Comunicación, Universidad de Palermo.

Irwin, T. (2017). Transition Ojai: A Water Security Workshop. En materiales provistos para el Workshop de la School of Design at Carnegie Mellon. Ojai, May 5 – 6 California.

Irwin, T. (2018). The Emerging Transition Design Approach. Irlanda: University of Limerick.

Irwin, T.; Kossoff, G.; Tonkinwise, C. & Scupelli, P. (2015). Transition Design. Pittsburgh, PA: Carnegie Mellon School of Design.

Irwin, T.; Kossoff, G. & Tonkinwise, C. (2015). Transition Design Provocation. Design Philosophy Papers 13(1), pp. 3-11.

Irwin, T. (2015). Transition Design: A Proposal for a New Area of Design Practice, Study, and Research. UK: Taylor and Francis online. Design and Culture. The Journal of the Design Studies Forum. Vol7. Issue 2. pp 229-246. Disponible: http://dx.doi.org/10.1080/17547075.2015.1051829

Irwin, T. (2013). Recipes for Systemic Change. Finlandia: The Helsinki Design Lab.

Irwin, T. (2011). Wicked Problems and the Relationship Triad. In Stephan Harding (ed.), Grow Small, Think Beautiful: Ideas for a Sustainable World from Schumacher College. Edinburgh: Floris Books.

Kossoff, G. (2011). “Holism and the Reconstitution of Everyday Life: A Framework for Transition to a Sustainable Society.” Ph.D. thesis, University of Dundee.

Lockton, D. & Candy, S. (2019). A Vocabulary for Visions in Designing for Transitions. Buenos Aires: Universidad de Palermo. En Diseño en Perspectiva-Diseño para la Transición: Primera sección en Cuaderno n°73 del Centro de Estudios en Diseño y Comunicación. Facultad de Diseño y Comunicación.

Manzini, E. & Jegou, F. (2003). Sustainable Every Day. Scenarios of Urban Life. Italia: Edizioni Ambiente, Milan. Fondazione La Triennale di Milano.

Sterling, Bruce. (2005). Shaping Things. Cambridge, USA: MIT Press.

Thackara, J. (2005). In the buble: Designing in the complex world. Londres: The MIT Press Cambridge, Massachusetts.

Tonkinwise, C. (2016). Cameron Tonkinwise: Speculative Practice Needs Diverse Cultures. Retrieved from http://speculative.hr/en/camerontonkinwise/

Tonkinwise, C. (2015). Design for Transitions – from and to what? EEUU: Carnegie Mellon Universitity.

(*) La Línea de Investigación Diseño en Perspectiva-Escenarios del Diseño, surge del Acuerdo de Cooperación Académica entre la Facultad de Diseño y Comunicación de la Universidad de Palermo (Argentina) con la School of Design de la Universidad Carnegie Mellon (EEUU). Desde entonces, 2014-hasta la fecha, quien escribe y Directora de la Línea de Investigación citada(*), ha incorporado de manera paulatina a la currícula de la asignatura Diseño 4 de la Maestría en Gestión del Diseño de la Universidad de Palermo, los contenidos del Diseño para la Transición (Transition Design) desarrollado a nivel de posgrado por esta Institución. Las acciones desplegadas atraviesan todas las capas de la dimensión universitaria: la incorporación curricular, adaptación regional y la comprensión internacional de los contenidos; la implementación del proyecto en el aula; la creación de la comisión Diseño en Perspectiva; la presentación en comisión de los resultados –mediante ponencias– a la comunidad académica; la publicación de la investigación del Proyecto, la invitación y producción de académicos propios e invitados; junto con otras acciones relacionadas que se describen en el primer y segundo Informe de impacto del período en estudio (2014_2 a 2016_2 y 2017-2019 inclusive) están disponibles en los Cuadernos del Centro de Estudios en Diseño y Comunicación nº80 y 87 respectivamente.

Daniela V. Di Bella

Daniela V. Di Bella / Arquitecta – Magister en Diseño – PhD Educación Superior (nivel tesis). www.elojosalvaje.com - Buenos Aires - Argentina

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#MTSP N°12 El sujeto deviene en objeto

El cuerpo como territorio(1)

PARTE 2.

El sujeto deviene en objeto

(Baudrillard, 2009: 214-244)

*(1) El presente documento -publicado en el Cuaderno Nº 64 de la Serie Cuadernos del Centro de Estudios en Diseño y Comunicación de la Universidad de Palermo- es de MgArq. Daniela V. Di Bella, ha sido ajustado y modificado para su inclusión en #MTSP N°12.

Este documento es parte de los lazos de investigación personal para la tesis en curso en Educación Superior.

[Cite] Di Bella, Daniela V. (2017). El cuerpo como territorio. Parte 2: El sujeto deviene en objeto. En: https://metaespac.hypotheses.org/379. Abril 2017.
El artículo original en

[Cite] Di Bella, Daniela V. (2017). El cuerpo como territorio. En Cuaderno Nº64: Los procesos emergentes en la enseñanza y la práctica del diseño. Cuadernos del Centro de Estudios en Diseño y Comunicación. Buenos Aires: Facultad de Diseño y Comunicación. Universidad de Palermo. Septiembre de 2017.

Resumen: Asistimos a una emergencia del cuerpo en la sociedad contemporánea, que puede asumirse como un espacio de reconceptualización. La posmodernidad viene reescribiendo una iconografía y estética particular del cuerpo en torno a la imagen-mercancía, que impacta sobre las distintas variables de lo social, ficcional, performático y fashionable, que traducen la construcción de la identidad de lo individual y de lo colectivo. El diseño y en particular de indumentaria han decodificado y creado sobre la relación que guardan los productos con el cuerpo, siendo necesario también reflexionar sobre las distintas visiones de esa relación compleja y no siempre sostenible.

El diseño en la sociedad postindustrial tiene nuevos capítulos interdisciplinarios por resolver, que signan el presente y el futuro de la disciplina.

 
Palabras clave: Cuerpo – Posmodernidad – Iconografía – Estética – Identidad -Imagen – Reconceptualización – Complejidad – Sostenible – Interdisciplina
Peeters y Charlier, definen que la sociedad contemporánea se fue cargando de una nueva relación con los objetos en una época en la “que es posible otra relación con el mundo material, objetual, ya no sobre el modo de instrumentación o de alienación, sino sobre el modo de la frecuentación, del contacto o aún de la experiencia afectivo-corporal, incluso del juego…” (Peeters y Charlier, 1999 en Di Bella, 2007: 39-75)

Bajo estas condiciones, Jean Baudrillard define el cuerpo como imagen-mercancía, respondiendo a una economía política del signo, donde el individuo deviene en objeto, e ingresa en la lógica del consumo en un proceso económico de rentabilidad. El sujeto inmerso en las actuales formas de producción y consumo, posee una doble representación de su cuerpo, bajo la forma de capital (inversión) y como signo social (fetiche). (Baudrillard 2009, 214-244)

Peeters, H; Charlier, P. Introduction. Contribution à une théorie du dispositif.

Baudrillard, Jean. La sociedad de consumo. Sus mitos, sus estructuras.

Di Bella, Daniela. Arte tecnomedial: Programa curricular.

El cuerpo se aparece un objeto más del consumo, dando paso a una variada serie de acciones centradas en la figura de Narciso, que en los contextos de la subjetividad contemporánea ha efectuado un pasaje de la concepción del sujeto clásico, a la del sujeto operativo, un sujeto que no sabe bien por qué hace las cosas, un sujeto con vacío simbólico. El sujeto clásico es el individuo que subyace en su fuero interno, el que obedece visiblemente la ley pero internamente se encuentra en permanente contradicción, rebeldía y conflicto. A partir de los estados de contradicción replegados y latentes de los sujetos de la modernidad, y parte de un contexto económico y político de fuertes injusticias impulsadas por el capitalismo, que no condujeron a una sociedad más justa y humana, se operaron una serie de fuertes cambios, reivindicaciones y luchas sociales, que significaron la crisis del sujeto clásico y la consecuente emergencia del sujeto operativo. (Pérez Soto, 2008. En Di Bella 2013: 127-139) Di Bella, Daniela. Aspectos inquietantes de la era de la subjetividad: lo deseable y lo posible.
El sujeto operativo entiende que su cuerpo puede ser transformado en un proyecto personal (Gimlin, 2006) alineado con lo bello e ideal, eróticamente cultivado, a la orden de las nuevas exigencias del sentirse bien, dietas y regímenes alimenticios, autocuidados varios, cirugías estéticas, entre otras, asociadas con ideas de felicidad, status y realización personal. La belleza imaginada, no está necesariamente unida a la salud, se relaciona con un ideal ausente, que promueve una necesidad de modificación corporal, que dados los avances médicos y tecnológicos, tiene un potencial ilimitado para el cambio, y lo ha vuelto una mercancía actualizable o commodity. (Gimlin, 2000:81) Zizek lo define de esta manera Gimlin, Debra. El proyecto del cuerpo ausente: La cirugía estética como una respuesta a la Dis-Apariencia.
un verdadero materialismo asume gozosamente la «desaparición de la materia», el hecho de que sólo hay vacío (…) Lejos de servir como referencia última, el cuerpo pierde su densidad misteriosa e impenetrable y se convierte en algo que se puede manejar tecnológicamente, en algo que podemos engendrar y transformar mediante la intervención (…) (Zizek, 2006:42) Zizek, Slavoj. Órganos sin cuerpo. Sobre Deleuze y sus consecuencias.
El proyecto personal del cuerpo tiende a reivindicar aspectos relacionados mayormente con la diferencia, y según esta premisa los tatuajes y las modificaciones corporales a partir de los piercings, incisiones y otras aplicaciones que marcan el cuerpo como signo, han dejado las significaciones culturales de tipo ritual y religiosa, para ser en la contemporaneidad maneras en las que se expresa el erotismo, la identidad, la provocación, la pertenencia y/o la exclusión de lo normativo. (Foos, 2012)

Jannson califica a la intervención del propio cuerpo, una cuestión de determinismo posmoderno, lo que Csordas define como “paradigma del texto, en cuyo marco el cuerpo es concebido como una entidad producida discursivamente, y pasivamente sometida a los efectos del poder del discurso”, el -determinismo posmoderno- sería el equivalente a la aplicación de un -determinismo discursivo- sobre el cuerpo, cuyos contenidos son los textos del imaginario mediático. (Jannson, 2002 y Csordas, 1994 en Córdoba, 2010:38)

Foos, Claudine. Lo que el tatuaje escribe en el cuerpo. El tatuaje como signo.

 

Córdoba, Marcelo. Las cirugías estéticas como práctica social distintiva: un lacerante encuentro entre corporeidad e imaginario social.

Anthony Giddens se dirige hacia el sustrato del proyecto personal del cuerpo, y define que en este interés hay un afán “mucho más profundo por construir y controlar el cuerpo” vinculando de manera deliberada al “desarrollo corporal con el estilo de vida”. (…) “Tanto la planificación de la vida como la adopción de opciones de estilo de vida se integran -en principio- en los regímenes corporales.” (Giddens, 1997:16 y 132) Y continúa: Giddens, Anthony. Modernidad e identidad del yo. El yo y la sociedad en la época contemporánea.
el cultivo del cuerpo por la observación de una dieta, una forma de vestir, la apariencia del rostro y otros factores es una cualidad común de las actividades del estilo de vida en la vida social contemporánea (…) La planificación de la vida respecto al cuerpo no es, por tanto, necesariamente narcisista, sino una parte normal de los entornos sociales postradicionales (Giddens, 1997:225) Giddens, Anthony. Modernidad e identidad del yo. El yo y la sociedad en la época contemporánea.
El aparato desplegado por el mundo de la imagen-mercancía se ha vuelto parte del escenario del arte contemporáneo, las nuevas formas de arte ahora denominadas por Nicolás Bourriaud relacionales involucran a la obra dentro de los canales del consumo. De este modo, Bourriaud, Nicolas. Estética relacional.
las autopistas de la comunicación, los medios electrónicos, los nuevos patrones sociales y simbólicos, las significaciones del mercado y valores derivados del comercio, entre otros serían los nuevos conceptos del juego de relaciones interactivas, sociales y relacionales que establecen los figurantes (consumidores) dentro del nuevo tablero de arte, inserto en las redes del consumo y del comercio. (Bourriaud, 2012) Bourriaud, Nicolas. Estética relacional.
No es por azar que el cuerpo sea uno de los temas centrales de exploración del arte relacional, donde artistas como Vanessa Beecroft, a través de sus eventos performáticos, realiza instalaciones con grupos de mujeres, desnudas, escasamente vestidas o en ropa interior, que exhiben sus cuerpos y actúan gestualmente portando tacos altos, durante períodos prolongados de tiempo, frente al estupor e incomodidad de los espectadores. Beecroft mediante sus “pinturas vivientes” (tableaux vivent  según Dave Hickey) se instala sobre la representación del cuerpo femenino y los estereotipos culturales de Occidente, socavando las lecturas dominantes del lugar de la mujer en la sociedad y la cultura, el patriarcado, las nociones de género, la perfección física, la diferencia, la sexualidad, el feminismo, la pertenencia a una clase social, el fetichismo y la cosificación de la mujer promovida por la industria de la moda, entre otras. (Steinmetz et al, 2006: 1-37) Steinmetz J, Cassils H, Leary C. Behind enemy lines: Toxic titties infiltrate. Vanessa Beecroft.
Los conceptos explorados por Beecroft, encuentran relación con los definidos por Pierre Bourdieu y la correspondencia entre la espacialización del cuerpo dentro de una clase social (nociones de capital cultural, económico, social y simbólico), hábitus (“elemento generador de la práctica, como el factor primordial de la reproducción cultural o simbólica”), y “estilo de vida” (Bourdieu, 1988:54 y ss, 124 y ss); Marcel Mauss y los usos (técnicas) del cuerpo instituidas por la cultura; centro de un escenario y el desarrollo de una conciencia corporal apropiada a los espacios públicos y otra para los privados basadas en un orden moralque indicarían como interactuamos en la presentación del yo en la vida diaria (Goffman, 1971, 1972 y 1979); la influencia de las cuestiones de género sobre la conciencia del cuerpo y su aspecto “las mujeres más que los hombres ven sus cuerpos como objetos a los cuales se ha de mirar” (Berger, 1972); la noción de Mary Douglas del cuerpo mediatizado por la cultura o entidad simbólica de comunicación física y social, donde el cuerpo se convierte en “símbolo” o vehículo de información del sistema social y sus presiones, dando cuenta de la relación entre el cuerpo y el contexto, expresando las preocupaciones del grupo de pertenencia. (Bourdieu, Mauss, Goffmann, Berger y Douglas, en Entwistle, 2002: 18-50) Entwistle, Joanne. El cuerpo y la moda. Una visión sociológica.

El cuerpo y el yo como lugar de interacción

(Giddens, 1997:271-291)

La superación de Narciso en la construcción del concepto del cuerpo posmoderno, lo ha puesto en el centro de una reconceptualización que lo vuelve emergente en relación con la sociedad y la naturaleza. El neurobiólogo Francisco Varela explica que recién en estas tres últimas décadas, el campo de la ciencia está aceptando visiones más amplias de interpretación de la realidad debido a que históricamente Occidente ha venido realizando una apropiación e interpretación condicionada del campo de la realidad, como herencia del cisma entre los postulados de Descartes (reduccionismo) y los dogmas teológicos de la Iglesia, o la división entre el cuerpo y el alma, dualismo que ha signado siglos de construcciones disociadas del conocimiento teórico, filosófico, ético y moral (Asencio, 2008. En Di Bella, 2013: 127-139) Di Bella, Daniela. Aspectos inquietantes de la era de la subjetividad: lo deseable y lo posible.
Así, si al principio se creyó que (el cuerpo) era el lugar del alma y, más tarde, el centro de necesidades oscuras y perversas, el cuerpo es ahora plenamente susceptible de ser trabajado por las influencias de la modernidad reciente. A consecuencia de estos procesos se han alterado sus límites. (Giddens, 1997:275) Giddens, Anthony. Modernidad e identidad del yo. El yo y la sociedad en la época contemporánea.
La noción de riesgo e integridad del cuerpo refiere también cuestiones globales de cómo ejerceremos las actuales y futuras condiciones de la supervivencia humana, en cuanto planos de decisión política sobre la vida:
La política de la vida es política de estilo de vida (…) refiere a cuestiones políticas que derivan de procesos de realización del yo en circunstancias postradicionales, donde las influencias universalizadoras se introducen profundamente en el proyecto reflejo del yo y a su vez, estos procesos de realización del yo influyen en estrategias globales. (Giddens, 1997:271) Giddens, Anthony. Modernidad e identidad del yo. El yo y la sociedad en la época contemporánea.
También hace referencia a la noción compleja de propiedad del cuerpo y al campo de decisión política que opera sobre las condiciones físicas y biológicas del cuerpo, la manifestación de la sexualidad, la continuidad de la especie, y la reproducción, entre otras de índole esencial como el derecho sobre el cuerpo y la noción de persona:
El cuerpo, al igual que el yo, pasa a ser un lugar de interacción, apropiación y reapropiación, que enlaza procesos reflejamente organizados y conocimiento experto sistemáticamente ordenado. El cuerpo mismo se ha emancipado, como condición para su reestructuración refleja. (…) El yo y el cuerpo, invadidos profundamente por los sistemas abstractos de la modernidad, se convierten en lugares de una diversidad de opciones nuevas de estilo de vida. (Giddens, 1997:271-291) Giddens, Anthony. Modernidad e identidad del yo. El yo y la sociedad en la época contemporánea.
Según datos registrados por The Economist: la industria global de la belleza corporal en 2003 activó flujos de 160 mil millones de dólares al año, con previsiones de crecimiento a futuro. (…) Las cifras estimativas del mercado mundial de las cirugías cosméticas (cirugías plásticas estéticas) y actividades relacionadas con el bienestar total (tratamientos integrales de belleza, ejercicio y dieta, asistencia a spas, clubes y centros especializados): es de alrededor de 20 mil millones de dólares por año (…) donde 11 mil millones son el consumo de cirugías plásticas estéticas en EEUU, país en el primer puesto del ranking mundial (Datos de la Sociedad Internacional de Cirugía Plástica (ISAPS). (Córdoba, 2010:39) Córdoba, Marcelo. Las cirugías estéticas como práctica social distintiva: un lacerante encuentro entre corporeidad e imaginario social.
Datos de las últimas décadas expresan que la población argentina da una importancia superlativa a la delgadez y la belleza, un artículo de The Wallstreet Journal publica:

Argentina en 2003 fue el quinto país del mundo en realizar procedimientos de cirugía estética siendo el  87%  solicitados por mujeres (…) otro estudio demostró que las mujeres de Buenos Aires van al gimnasio con más frecuencia que los de cualquier otro país de América Latina (…)

Moffet, Matt. In Argentine Province, Fashion Police Say Small Isn’t Beautiful Striking Blow for Body Image, Law Seeks Larger Sizes; Eating Yourself Out of Style. EEUU: The Wall Street Journal.
y siendo que las exigencias en relación con un cuerpo ideal derivan frecuentemente en trastornos alimenticios “en una encuesta a 15.000 aspirantes universitarios de Argentina, en su mayoría mujeres, el 3,3% dijo haber sufrido anorexia en algún momento”. (Moffet TWJ Moffet, Matt. In Argentine Province, Fashion Police Say Small Isn’t Beautiful Striking Blow for Body Image, Law Seeks Larger Sizes; Eating Yourself Out of Style. EEUU: The Wall Street Journal.
Este artículo continúa en #MTSP N°13. Cuerpo, complejidad y nuevas visiones del diseño.

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Daniela V. Di Bella

Daniela V. Di Bella / Arquitecta – Magister en Diseño – PhD Educación Superior (nivel tesis). www.elojosalvaje.com - Buenos Aires - Argentina

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